Оранжевое красное жёлтое. Иллюзия искусства
Белла Адцеева
Марк Ротко, чье имя чаще всего ассоциируется с абстрактной живописью цветового поля, проделал в искусстве долгий путь, в котором нашлось место и фигуративной живописи, и технике ташизма, и чистому сюрреализму. Свои самые знаменитые работы - мультиформы и абстракции - художник отказывался объяснять и пресекал всякие попытки интерпретации: суть искусства - само искусство, вещественное проявление мироощущения художника, утверждал Ротко, которому с помощью одного лишь цвета удалось вызвать у зрителей и потрясение, и надежду, но чаще боль, страх и чувство одиночества. Со дня рождения художника сегодня исполняется 110 лет.
Экспрессивные полотна Марка Ротко обладают мистической особенностью - по словам многих зрителей, картины, когда наблюдаешь их с близкого расстояния (а именно на этом настаивал сам художник), вызывают сильные эмоции - обостренное чувство одиночества или страха, вплоть до того, что стоя перед ними, особо чувствительные люди могут расплакаться. Отражение трагической стороны жизни склонны видеть в творчестве Ротко и искусствоведы - будь то ранние работы или прославившие художника мультиформы. "Трагический опыт катарсиса есть единственный источник любого искусства… Мне не интересны взаимоотношения цвета и формы или что-то в этом духе. Мне интересно только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, отчаяния", — писал Ротко.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Автопортрет"
Сын евреев-эмигрантов, уехавших в США из тогда еще российского Двинска за несколько лет до революции, Маркус Роткович перебрался в Нью-Йорк из Нью-Хейвена, штат Коннектикут, в 1923 году, в разгар "эпохи джаза", когда звуки буги-вуги доносились из каждого манхэттенского бара, а обессиленный войной мир жаждал веселья и развлечений. Именно тогда Ротко, только что бросивший учебу в Йельском университете, попал на курсы к Максу Веберу, у которого научился понимать искусство как способ самовыражения и чье влияние чувствуется во многих ранних работах Ротко. Несколько первых лет в Нью-Йорке он зарабатывал на жизнь преподаванием живописи детям, повторяя своим ученикам мысль о том, что живопись должна даваться легко — быть процессом не тяжелее пения.
Его серия картин, изображающих нью-йоркскую подземку, в частности, самая известная из них "Вход в метро" (1938) — еще совсем не то, чем Ротко прославился в последующие десятилетия и с чем его ассоциируют до сих пор. Это не реализм, но здесь присутствуют отчетливые фигуры людей и архитектура станций, хотя прослеживается и другое — узнаваемая работа с цветом и общее мрачное настроение, присущие поздним полотнам художника. Само пространство действия — подземный мир — у Ротко становится метафорой внутренних переживаний и неосознанной тревоги, чувств, которые во время Великой Депрессии для многих превратились в непроходящие.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Вход в метро", 1938
Беспокойство, которое витало в воздухе на протяжении всех 1930-х, у Ротко неотделимо от урбанистических пейзажей — люди на его картинах, будь то одиноко застывшие фигуры или пара спутников — находятся в своей привычной среде и повседневных заботах, но каждый из них погружен в себя и охвачен тревогой, как, например, в "Уличной сцене" (1937) . Нью-Йорк с его бесчисленными закусочными, барами и кинотеатрами, а также погруженными в свои мысли жителями, в 1930-х и 1940-х стал индикатором всеобщей подавленности не только для Марка Ротко — именно тогда на первый план вышла американская жанровая живопись, образцом которой можно считать знаменитых "Полуночников" Эдварда Хоппера. Но живопись Ротко уже тогда была непохожа на картины других художников, выполненные в натуралистической манере — в том, как изображены края платформы, стены и колонны станций метро, можно разглядеть первые шаги Ротко к его абстрактной живописи, понимание того, что искусство должно выражать жизнь посредством эмоций, а не описания.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Уличная сцена", 1937
Другие картины Ротко того же периода, преимущественно именуемые Untitled (неназванные, безымянные), изображают фигуры людей, с беспокойством, а иногда и ужасом в глазах смотрящих на что-то вне поля зрения зрителя. Одни из самых показательных работ — Портрет обнаженной в углу комнаты (1937-38) , и Картина с двумя фигурами у окна (1938) . Зритель, наблюдающий эти картины, чувствует себя не менее неуютно и беспокойно, чем их герои.
"Мои картины — это непредсказуемое путешествие в неизвестный мир. Скорее всего, зритель предпочел бы в него не отправляться", — говорил художник.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Без названия", 1937-38
В конце 1930-х- начале 1940-х Нью-Йорк покоряет сюрреализм — в Штаты из Европы переезжают некоторые художники-новаторы, в числе которых — Сальвадор Дали. Марк Ротко вместе с Адольфом Готлибом и Барнеттом Ньюманом проводят много времени, обсуждая идеи Дали, Жоана Миро, Макса Эрнста и Пита Мондриана, и неизбежно оказываются под их влиянием. Сюрреалистический период творчества Ротко, впрочем, вновь оказывается непохожим ни на кого другого, а говоря о влиянии, здесь наряду с пионерами европейского авангарда следует упомянуть "Рождение трагедии" Фридриха Ницше и мифологию с ее символикой. В то же время Ротко увлекался трудами Фрейда и Юнга, а в 1940 году даже на время оставил живопись, чтобы полностью погрузиться в теорию коллективного бессознательного и архетипическое толкование сновидений.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Жертвоприношение Ифигении", 1942
Результатом стало новое направление в творчестве, когда Ротко отказался от изображения жизни с помощью современных образов и поставил своей целью с помощью мифологических символов освободить человека от заполняющей его пустоты.
Сюрреалистические картины этого периода — "Жертвоприношение Ифигении", "Антигона", "Иерархические птицы" — не менее мрачные, чем его предыдущие работы: здесь и ладони, сложенные в мольбе, и половина человеческого тела, и фрагменты рук и ног. Картину The Omen of the Eagle (название можно перевести как "знак" или "знамение орла") художник назвал "воплощением трагической идеи".
Искусство Ротко снова изменилось в середине 1940-х, когда на смену мифологемам пришли абстрактные картины, в которых некоторые специалисты видят отсылки к "Рождению Венеры" Сандро Боттичелли, другие — отражение событий в личной жизни художника — именно тогда Ротко встретил свою вторую жену. Его картина "Медленное кружение на краю моря" (1945) по настроению гораздо более светлая, а в абстрактном изображении можно увидеть две человеческие фигуры, подчиненные взаимоотношениям цвета и формы.
Вот как описал свои фигуры сам Ротко: "Идентичность изображения и его объекта должна остаться в прошлом. Эти организмы полны решимости и воли отстаивать свои права".
Слова художника, говорящего о своих картинах как о независимой, неподвластной ему форме жизни, дают понять, что живопись уже тогда была для Ротко больше медитацией, чем действием.
Марк Ротко "Медленный вихрь на берегу моря", 1944-45
Враждебная атмосфера послевоенного мира толкает Марка Ротко на новый творческий поиск, который от техники ташизма (абстрактная живопись пятнами) привел его к квинтэссенции творчества — знаменитой Часовне Ротко.
Ужасы войны и ее бессмысленность стали одной из главных тем творческой рефлексии второй половины 1940-х и 1950-х годов. Близкий друг Ротко Барнетт Ньюманн тогда произнес слова, ставшие манифестом для многих художников — "Больше нет никакой возможности писать так, как раньше и то же самое, что раньше" — и сам оставил живопись на четыре года. В это время Марк Ротко едет в Европу, где во Флоренции посещает библиотеку Медичи, построенную по эскизам Микеланджело, а также ищет вдохновение в работах двух своих любимых художников — Рембрандта и Уильяма Тернера. Ни тот, ни другой не повлияли на очередное перерождение Ротко так, как "Красная студия" Анри Матисса, которую художник увидел в Нью-йоркском Музее современного искусства в 1949 году, когда простоял у картины несколько часов. Полотно французского живописца, известного своим новаторским обращением с цветом, указало Ротко дальнейший путь — именно тогда он стал писать сначала мультиформы (один из известных примеров — No.9, 1948 года ), а после пришел к собственному стилю, сделавшему его одним из самых значимых художников своего поколения.
© Фото: Mark Rothko Марк Ротко "Номер 9", 1948
В начале 1950-х абстрактный экспрессионизм Марка Ротко стал чем-то совершенно новым в американской живописи. Говоря о картинах других художников, часто оказывавших успокаивающее, расслабляющее воздействие, Ротко говорил, что его работы "имеют противоположную цель" и пишутся не для истории или студий, а для людей, чья реакция была единственной ценностью, приносившей художнику удовлетворение.
"Тот факт, что многие люди вдруг теряют себя и могут разразиться рыданиями перед моими картинами, означает, что я могу сообщаться с их основными человеческими эмоциями… Люди, плачущие перед моими полотнами, переживают тот же религиозный трепет, что переживал я, когда рисовал их. А если вас тронули только колористические отношения, то вы упустили самое главное", — заметил Ротко.
И тогда, и сейчас эксперты сходятся в том, что его живопись цветового поля — не о том, какие эмоции может вызвать цвет, а о том, как Ротко заставляет цвет так действовать на зрителя.
Незадолго до сдачи заказа Ротко вместе с женой пришел в "Четыре сезона", где после ознакомления с меню заявил, что "люди, готовые платить за еду такие деньги, никогда не будут смотреть на мои картины". Контракт был расторгнут, а фрески Ротко попросил вернуть.
Ротко писал свои абстрактные полотна до конца жизни, в последние годы сконцентрировавшись на насыщенном черном цвете. Самыми знаменитыми картинами этого периода и, по мнению критиков, венцом всего творчества художника стали 14 полотен, написанные по заказу филантропов Джона и Доминик Де Менил для Часовни, расположенной в Хьюстоне. Перед входом в Часовню расположена скульптура Барнетта Ньюмана, посвященная Мартину Лютеру Кингу. Сегодня Часовня Ротко, открытая для людей всех конфессий, стала не просто наследием художника, но и местом, ассоциирующимся с идеей всеобщего равенства.
Успех лишь усугубил чувство изоляции, которое испытывал художник. В свете его философии, обличавшей повсеместную коммерциализацию искусства, неоднозначно выглядят и сегодняшние ценовые рекорды ("Оранжевое, красное, желтое" в 2012 году ушла с торгов за $86,9 млн), которые картины художника вновь и вновь устанавливают на аукционах — это победа Ротко или его поражение? Как бы то ни было, главный смысл и цель, которые он закладывал в свои полотна — апелляция к основным человеческим эмоциям — содержатся в них и сегодня, в чем можно убедиться, например, в лондонской галерее Tate. Туда его фрески, созданные для небоскреба Seagram, привезли 25 февраля 1970 года. По жуткому совпадению, в этот же день ассистент Ротко обнаружил художника мертвым на кухне его квартиры, в луже собственной крови.
Марк Ротко: Простое выражение сложной мыслиМарк Ротко: Простое выражение сложной мысли
В старших классах, Ротко работал продавцом газет и на складе компании N & S Weinstein, 1920-е. © Oregon Jewish Museum
Дальше — небогатый, но очень активный Маркус, подрабатывающий разносчиком газет, выиграл грант на учебу в престижном Йельском университете, собираясь стать юристом или инженером. Да вот только университет бросил и сбежал в Нью-Йорк — рисовать.
Марк Ротко, ученик Lincoln High School, 1921.
© Multnomah County Library.
Последовали долгие годы безденежья, творческой свободы и активного поиска собственного стиля. Годы богемного братства с людьми искусства и годы счастья.
В 1940-м году Ротко наконец нашел себя в парящих в пространстве цветовых плоскостях. Именно эти прямоугольные полотна большого размера принесли художнику известность и финансовую свободу. Его поняли, его почувствовали. Однако слава не принесла счастья. Наоборот. Ухудшилось здоровье. Распался брак с супругой…
Марк Ротко с женой и сыном Кристофером приблизительно за год до развода, 1968г.
Холсты этого периода — темные, горькие, мрачные. Художник переехал в собственную студию на East 69th Street, продолжал много пить и курить. А через год, напичканный антидепрессантами, решил, что больше жить незачем, и ушел, оставив за собой более 800 работ, общей стоимостью свыше 20 миллионов долларов, на которые будут претендовать дети, фонды, друзья…
Марк Ротко «Без названия», 1969
«Вряд ли это можно объяснить… — сказал один из героев сериала. — Может быть, в ней [ПП: картине Ротко] и нет никакого смысла. Может быть, мы просто должны почувствовать её. Когда смотришь, ты что-то ощущаешь. Будто смотришь вглубь. Можно и упасть…»
Вконтакте
На этой неделе на аукционе Christie"s в Нью-Йорке был поставлен новый рекорд для произведения современного искусства. Холст американского художника Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое» (1956) был продан за $86,9 миллиона долларов. Вот еще 15 произведений художников 19-20 века, проданных на открытых аукционах и в ходе частных продаж: от "Пруда с кувшинками" Клода Моне до "Игроков в карты" Поля Сезанна.
Эдвард Мунк "Крик", $119,900,000
В мае 2012 года на аукционе Sotheby"s картина норвежского художника Эдварда Мунка "Крик", одно из самых узнаваемых произведений искусства, ушла с молотка за рекордную цену - 119,9 миллиона долларов. Её выставил на аукцион сын друга художника Петтер Олсен - единственный частный владелец одного из четырех существующих вариантов картины (остальные три находятся во владении государственных музеев - Национальной галерее Норвегии и Музее Мунка). Над серией "Крик" Эдвард Мунк работал 17 лет - с 1893 по 1910 года. Данная версия картины уникальна тем, что на раме, сделанной самим художником, красной краской написано его стихотворение, раскрывающее истинный смысл картины: "Мои друзья проследовали дальше, / А я остался позади, / Дрожа от тревоги: / Я ощущал оглушительный Крик Природы. Э.М."
Пабло Пикассо "Обнаженная, зеленые листья и бюст", $106,500,000
В 2010 году на аукционе Christie"s картина главного модерниста ХХ века и основоположника кубизма Пабло Пикассо "Обнаженная, зеленые листья и бюст" была продана за 106,5 миллиона долларов. На огромном холсте высотой 1,6 метр изображена юная возлюбленная художника Мари-Терез Вальтер, с которой он начал встречаться, когда ей было 17 лет, а ему - 45. Картина была написана всего лишь за один день в 1932 году и стала одним из многочисленных полотен, которые Пикассо нарисовал специально для персональной выставки в галерее Жоржа Пети. Говорят, что темпераментный испанский художник решил организовать ретроспективу своих работ после того, как увидел выставку своего соперника Анри Матисса.
Альберто Джакометти " Шагающий человек I", $104,300,000
В 2010 году впервые в десятку самых дорогостоящих произведений искусства попала скульптура, захватившая сразу же пальму первенства. Работа высотой 1, 83 метр известного швейцарского скультптора-модерниста Альберто Джакометти была продана на торгах за 104, 3 миллиона долларов. Созданная в 1961 году, она является одной из первых статуй из этой серии и считается одной из самых важных работ Джакометти. Скульптура "Шагающий человек I" стала первым экземпляром своей отливки, появившимся на открытых торгах и находящимся в частных руках. Статуи Джакометти с иссохшими, практически эфирмеными человеческими телами символизируют одиночество и беззащитность человека, потерявшего всякую опору, но уверенно державшегося на собственных ногах и взявшего жизнь в свои руки
Пабло Пикассо "Мальчик с трубкой", $104,100,000
Пабло Пикассо стал первым художником в истории, кому удалось преодолеть ценовой рубеж в 100 миллионов долларов на открытых торгах. В 2004 году на аукционе Sotheby’s неизвестный покупатель приобрел работу картину "Мальчик с трубкой", написанную им в 1905 году в Париже, за 104,1 иллиона долларов. Это полотно представляет особую ценность для коллекционеров, так как оно знаменует переход художника от "голубого" периода к "розовому" и принадлежит к наиболее ценному периоду творчества Пабло Пикассо - докубистскому.
Пабло Пикассо "Дора Маар с кошкой", $95,200,000
В 2006 году на аукционе Sotheby"s ы Нью-Йорке была продана картина Пабло Пикассо "Дора Маар с кошкой" за 95,2 миллионов долларов, написанная художником в 1941 году в оккупированном Париже. Фотограф, поэт и художник, Дора Маар была одной из самых любимых моделей испанского художника и оставалась его музой на протяжении более чем 15 лет. В начале 1940-х годов отношения между Пикассо и Маар начали постепенно ухудшаться, поэтому её образ в этот период - с острыми когтями как у кошки и пронзительным взглядом - стал для художника "персонификацией войны".
Густав Климт "Портрет Адели Блох-Бауэр II", $87,900,000
В 2006 году на аукционе Christie"s картина Густава Климта «Портрет Адели Блох-Бауэр II» (1912) была продана за 87,9 миллиона долларов коллекционеру, пожелавшему остаться неизвестным. Австрийский художник был востребован при жизни и многие его картины становились украшением интерьеров самых роскошных домов начала двадцатого века. Так он оказался постоянным гостей салона богатого семейста Блох-Бауэр и нарисовал несколько потретов хозяйки дома - Адели Блох-Буаэр. Наследники мужа Адели, Фердинанда Блох-Бауэра, которые лишь недавно возрватили себе картины, утраченные в результате немецкой оккупации, редко выставляют произведения Климта на продажу, поэтому всегда ожидается высокий спрос на них.
Марк Ротко "Оранжевое, красное, желтое" $86.900,000
8 мая 2012 на торгах аукционного дома Christie’s полотно «Оранжевое, красное, желтое», написанное художником в 1961 году, ушло за 86,9 миллиона долларов с учетом комиссии. Картина стала не только самой дорогой работой художника русского происхождения, но и самым дорогим призведением послевоенного и современного искусства, проданным на открытых торгах.Прежде всего Ротко известен своими абстрактными картинами, состоящими из нескольких цветовых сегментов.
В течение 15 лет он доводил до совершенства свой собственный стиль, работая над нечеткостью границ и растворением цвета в цвете и создавая мощный эффект пульсации цветовых пятен.
Фрэнсис Бэкон "Триптих", $86,000,000
"Триптих 1976" английского экспрессиониста Фрэнсиса Бэкона, проданный в 2008 году на аукционе Sotheby"s, в течение нескольких лет считался самой дорогой картиной,
написанной после Второй мировой войны. Причем, картина попала не только в список самых дорогостоящих произведений искусства в мире, но и побила ценовой рекорд для работы художника. Она состоит из трех равных мрачных панелей, на каждой из которых изображены гипертрофированные человеческие фигуры - льется розовая кровь, кружат вороны и внутренние органы выставлены наружу.
Специалисты объясняют высокую цену редкостью появления работ Бэкона на рынке - например, данное полотно не меняло владельца более 30 лет - и называют картину "Триптих 1976" пиком творческого гения экспрессиониста, в которой он максимально раскрывает свои собственные внутренние переживания и изображает трагедию существования.
Винсент ван Гог "Портрет доктора Гаше", $82,500,000
Очень долгое время - с 1990 по 2004 год - картина "Портрет доктора Гаше" голландского постимпрессиониста Винсента ван Гога, написанная в 1896 году незадолго до смерти художника и изображающая врача из клиники для душевнобольных, считалась самым дорогим произведением искусства по результатам аукционных торгов. С момента своего создания полотно постоянно переходило из рук в руки, оказавшись в 1990 году в руках японского миллионера Реэи Сато, который завещал похоронить себя вместе с шедевром. После смерти Саито в 1996 году точное местонахождение "Портрета доктора Гаше" остается неизвестным, что породило массу предположений о судьбе картины.
Клод Моне "Пруд с кувшинками", $80,500,000
Практически никто из коллекционеров и журналистов не удивился, когда в 2008 году на торгах Christie"s в Лондоне картина Клода Моне "Пруд с кувшинками" была продана за рекордные для французского художника 80,5 миллиона долларов. Традиционный для Моне сюжет - кувшинки - всегда пользовался популярностью среди коллекционеров. Хотя сами организаторы торгов из аукционного дома не ожидали столь высокого результата, так как картина не относится к более ранним или всемирно известным работам, а является лишь одним из многочисленных полотен с изображением кувшинок на водной глади. Эта картина, написанная в 1920 году в эпоху распространения в мире искусства модернизма и кубизма, интересна тем, что она написана всё еще в соответствии с канонами импрессионистов 1870-х годов.
5 картин, купленных в ходе закрытых сделок
Поль Сезанн "Игроки в карты" , $250,000,000
Купленная картина "Игроки в карты" является последней из серий работ, написанных французским художником в период 1890 - 1895, и единственной, находящейся в частных руках. Специалисты называют её самой мрачной работой этой серии, а поэтому самой интересной и наиболее ценной. В этом году полотно за рекордные 250 миллионов долларов купила семья эмира Катара для национальной галереи страны, которая сейчас активно пополняется произведениями искусства.
Джексон Поллок "№5", $140,000.000
В 2006 году за 140 миллионов долларов была продана картина американского абстракицониста Джексона Поллока "Номер 5, 1948". По сообщениям прессы её приобрел крупный мексиканский финансист Дэвид Мартинес. Джексон Поллок стал основателем так называемой "капельковой, или льющейся, живописи", когда художник создает картину, даже не прикаясаясь к холсту. Его новаторский подход получил признание еще при жизни самого художника - в 1949 году журнал Life Magazine назвал его величайшим американским художником, - а после смерти Поллока коллекционеры раскупили все его холсты, даже не законченные.
Виллем де Кунинг "Женщина III", $137,500,000
В 2006 году американский миллионер и коллекционер Стивен Коэн заплатил за картину абстрактного экспрессиониста Виллема де Кунинга "Женщина III" 137 миллионов долларов. Американский художник голландского происхождения написал её в 1953 году в рамках серии работ, где центральной темой выступала женщина. В течение долгого времени картина находилась в Тегеранском музее современного искусства, но в 1994 году её продали и вывезли из страны.
Густав Климт "Адель Блох-Бауэр I" $135,000,000
В 2006 году картина Густава Климта "Портрет Адели Блох-Бауэр", известная также как "Золотая Адель" или "Австрийская Мона Лиза" была куплена в 2006 году американским предпринимателем и наследником косметической империи Рональдом Лаудером для основанной им Новой галереи в Нью-Йорке. Данное полотно является одним из самых значимых работ австрийского художника, так как оно было написано в 1907 году - в золотой период творчества Климта, когда он черпал вдохновение в богато украшенных золотом церковных мозаиках в Италии. Высокая цена картин Густава Климта из коллекции Фердинанда Блох-Бауэра объясняется редким появлением их на рынке, поэтому продажа сразу двух полотен в 2006 году вызвала большой ажиотаж в арт-кругах.
Энди Уорхол "Восемь Элвисов" , $100,000,000
Уникальная работа Энди Уорхола "Восемь Элвисов" длиной в 3,7 метра была продана за 100 миллионов долларов после 40-летнего нахождения в доме римского коллекционера Аннибале Берлингьери. Картина выполнена в серебряном цвете - любимом у художника - и написана в 1963 году, в наиболее ценный период творчества Уорхола по меркам специалистов. Уорхола часто называют не только королем поп-арта, но и арт-рынка, так как за 26 лет своего творчества он и его помощники создали около 10 тысяч произведений искусства, что не уменьшает ценность его работ.
Марк Ро́тко (англ. Mark Rothko, имя при рождении - Ма́ркус Я́ковлевич Ротко́вич; 25 сентября 1903, Двинск, Витебская губерния - Дата смерти: 25 февраля 1970, Нью-Йорк) - американский художник, ведущий представитель абстрактного экспрессионизма, один из создателей живописи цветового поля.
Родился и вырос в образованной еврейской семье, где говорили как на идише, так и на русском языке. Глава семейства, Яков (Я́нкель-Бе́ндет Ио́селевич) Роткович, работал аптекарским помощником, но, несмотря на скромный доход, много внимания уделял образованию детей; мать, Хая Мо́рдуховна Роткович (урожд. Гольдина), была домохозяйкой. В возрасте 5 лет Маркус поступил в хедер, где изучал Пятикнижие и Талмуд, в то время как остальные дети продолжали получать светское образование.
В 1913 году Маркус поступил в общеобразовательную школу, и его перевели из третьего в пятый класс. В 17 лет он с отличием закончил школу Lincoln High School. Он в совершенстве овладел английским (четвертый язык Марка) и стал активно участвовать в жизни местного еврейского сообщества, особенно в политических дискуссиях.
Марк поступил в Йельский университет, где первый год учился благодаря полученному за отличный аттестат гранту, а позднее, когда дотация закончилась, работал, чтобы оплачивать учебу. В университете Марк, вместе с товарищем Аароном Директором, выпускал сатирический журнал, направленный на разоблачения пороков университетского общества WASP («Белых англо-саксонских протестантов»). Вскоре Марк бросил университет, и вернулся туда только 46 лет спустя, получать почетную степень доктора.
Картина Марка Ротко «Оранжевое, красное, желтое», написанная в 1961 году, ушла с аукциона за рекордную сумму, когда-либо предложенную за произведение современного искусства. $86,9 млн – таков итог торгов на аукционе Christie`s в Нью-Йорке.
До этого рекорд стоимости среди картин, написанных после Второй мировой войны, принадлежал «Триптиху» Фрэнсиса Бэкона, проданного в 2008 году за $86,3 млн.
Общие сборы по итогам торгов составили $388,5 млн - этот показатель также превышает предыдущий рекорд, установленный на аукционе современного искусства в 2007 году, сообщает Русская служба BBC.
Напомним, на прошлой неделе картина «Крик» норвежского художника Эдварда Мунка побила на торгах Sotheby`s в Нью-Йорке абсолютный рекорд – она была продана за $119 922 500, став самым дорогим шедевром в истории живописи.
В среду в аукционном доме Sotheby`s в Нью-Йорке состоятся еще одни торги, на которых будут выставлены произведения современных художников, в том числе «Спящая девушка» Роя Лихтенштейна.
Марк Ротко - урожденный Маркус Роткович - родился в 1903 в городе Двинске, ныне Даугавпилсе, на территории современной Латвии. В 1913 году семья будущего художника эмигрировала в Портленд. Самые знаменитые полотна Ротко - это абстрактные картины, которые состоят из полос, представляющих несколько цветовых зон.
Ротко. Белый центр (желтое, розовое и лиловое на розовом)
Написала владелица моей любимой Кладовки Левконои http://levkonoe.livejournal.com/2798573.html
Levkonoe
:
"Все вы тут ничего не понимаете в искусстве!
И я меньше всех:
РИА "Новости":
в мае прошлого года работа Ротко под названием "Белый центр (желтое, розовое и лиловое на розовом)" ушла на торгах Sotheby"s за 72,8 млн долларов.
Что на Сотби все идиоты - я не верю. Наверное, это застиранное полотенечко в самом деле стоит 73 миллиона...
Упдате:
Вовсе не для того тут это поместила, чтобы шумно буйствовать на тему "жулики, дурят народ" и т.д. - я и сама этого не утверждаю, и другим не советую.
Писала тут неоднократно, что для меня помимо таланта живописца и прочих достоинств картины важным вопросом бывает "хочу ли я туда". Поэтому тут не появляется ничего вроде Гойи и многого другого, гениального и так далее. Потому что лично я туда не хочу.
Так вот, в полотенечко Ротко я тоже как-то не хочу (разве что "Флатландию" обчитавшись).
Почитала о нем. Как водится, был беден, сначала писал портреты и пейзажи. Расписывал какие-то экуменические капеллы. Прославился. Стал богат и знаменит. И вдруг начал писать квадраты и полосы. Сначала разными цветами. Потом только черным и белым. Потом перерезал себе вены.
Упдате2
Видимо, в этой картине все же есть какая-то негативная энергия или нечистая сила, если все те, кто мирно перебрасывался комментариями про лужайки, тут озверели или насупились. Хорошего, прямо скажем, обсуждение не принесло ничего. Если кто-то и пытался искренне понять, в чем же дело и чего мы не понимаем - кроме щелчков по носу и тычков в невежество не получили ничего. Никто из сторонников ничего внятного ЗА не сказал.
* Может эту картинку повесили неправильно (вверх ногами, например). Вот мы и не поняли;
*Нельзя вверх ногами. Это же торт. Внизу пастила, а наверху варенье, абрикосовое. Оно мягкое. Размажется.
Кроме того, все объясняет диагноз художника. Сначала он был в маниакальной фазе МДП, и писал торты. На картинке это оранжевое варенье, и совершенно закономерно, что его меньше, чем пастилы. Пастила - это депрессивная фаза. Из глубины пастилы художник перестал различать многоцветность мира, его накрыло, и он повесился.
Однако когда художник писал именно эту картину, он еще не знал, каково там в пастиле, а только предчувствовал. Иначе бы он не нарисовал ее такой розавинькой. И назвал он картину "белый центр" потому, что надеялся, бедняга, что нейтральный белый центр действительно в середине, и сбалансированный МДП не даст ему утонуть в нецветном мире депрессии.
Но чутье художника заставило его все-таки зафиксировать истинное положение дел, а именно: депрессивная фаза превалирует. Кстати, это согласуется с данными врачей о течении типичного МДП. Я еще предлагаю посмотреть на белую прослойку: она выглядит в торте несколько ненатурально, несъедобно, я бы сказала, особенно черный штрих между нею и вареньем.
Несомненно, художник тем самым подчеркнул свою надежду на непроницаемость этой границы, надежду на то, что несъедобная непроницаемая белая прослойка, "белый центр", создаст преграду ему в его падении из варенья в депрессивную пастилу, и позволит избежать неизбежного...
*Когда вижу подобные полотна, мне кажется всегда, что это провокация со стороны художника....
Как - то две девочки из дизайнеров наших на работе смотрели на иллюстрацию каких то пятен и восхищались, я спросила что в этом такого и чем эти пятна отличаются от пятен 5-летнего ребенка, они сказали: чтобы это понять - 5 лет учиться надо.
Levkonoe: Возможно, что и надо. Я не верю в слишком простые версии: провокация (такое сходило бы один раз), отмывание денег, эффект "голого короля" и т.д. Все это слишком просто и давно перестало бы работать еще на Малевиче;
*Так в чем проблема? По дороге с работы покупаем несколько пастельных красок, ватман, кисточки и рисуем такое полотенешко. Вешаем на стеночку и пытаемся ощутить себя миллионерами, только что потратившими 70 лямов зеленых;
* Я понимаю, что миллионы может стоить автограф Леонардо, хотя на нем ничего особенного не нарисовано. Но мы-то знаем, за что его любим. А про этого Ротко я ничего не знала, и сейчас только прочитала. Кстати, последовательность событий не радует: нормальные картины - мистические картины - цветные полосы - черные полосы - самоубийство. Возникают сомнения...;
Chris Chapman
* Мне кажется, что это что-то сломалось в мире и в людях. В начале прошлого века. Стремительная НТР, революции, войны. Что-то такое деструктивное витало в воздухе. И не могло не попасть на картины. Может быть от всего этого хаоса хотелось уйти в предельную пустоту? Спрятаться, закрыться или наоборот- пусть это все к себе в душу а потом перерезать себе вены.
Я не думаю что эти картины "нравятся", они просто могут задеть что-то внутри. Это скорее психология, чем искусство. И хорошо если к добру, если удастся спрятаться, а если потом захочется вены перерезать, наглядевшись на эту пустоту на стене?
Нет, я вовсе не считаю что все кому это нравится - сумасшедшие. Просто у каждого свои проблемы и возможно для кого-то уход в это ничто - решение проблемы.
Ну и ладно. Пусть нравится. Хотя я не думаю что все это к добру. Слишком сильно деструктивное начало. Мир сумасшедший, но законы гармонии в нем никто не отменял. И цветы - это красиво!
Меня злит другое - когда только это называют искусством, а все остальное - пошлостью. И ведь некоторые начинают прислушиваться и стыдиться, что коврики нравятся. То есть начинают уходить от того, что действительно красиво, к этому хаосу и пустоте. Они ведь даже самого слова "красиво" начинают бояться. Словно оно может нарушить их расчерченный на полоски мир. И начинают навязывать этот свой снобизм. Делать из него норму!
Все-же явно что-то сломалось в людях;
*У меня эта тряпка вызывает депру и клаустрофобию.
В ней есть что-то от коридора в советской поликлинике. Желтое - стена, лиловое - пол, посредине - банкетка;
Chris Chapman
* Уважаемая Levkonoe, я сама сейчас учусь по художественной специальности и еще когда была студентом-психологом.
И заметила в быту такую вещь: люди по отношению к искусству бывают двух типов - те, кто не воспринимают абстрактное искусство и очень любят реалистичность ("чтобы туда хотелось") и те, кто млеют от абстракции, а реализм, хоть и уважают за мастерство, не считают пиком Искусства.
Наблюдая это четкое деление и вспоминая смутно занятия о строении мозга, я начала подозревать, что это что-то связано с работой разных полушарий и их соотношением (не совсем левша/правша, а там все более запутано). Или же это особенности строения какой-нибудь области восприятия в мозге. Потому что эти две категории людей отличаются не только отношением к искусству, но и рядом других ценностей.
Это, конечно, не строгая классификация, но что-то такое, по-моему, точно есть.
Написала все это, потому что Ротко очень люблю и уважаю.
Levkonoe: Наверное, у меня ВООБЩЕ нет нужного полушария, потому что даже после всех проработок, которые мне тут устроили знатоки, я вижу в этой картине не больше смысла и эмоций, чем в стене советской поликлиники, выкрашенной масляной краской.
И не могу отделаться от ощущения, что если бы искусствоведы не знали, где Ротко, а где стена, то перлись бы одинаково от обоих;
Chris Chapman
* Ирина, прошу прощения за вторжение на чужую территорию... но этот вопрос давно меня занимает: Вы правда верите, что если человеку напрочь не нравятся «коврики» или он не способен читать Донцову - это непременно из снобизма? Или все-таки допускаете возможность другого варианта?
На полях дискуссии: я живопись воспринимаю что называется животом, по принципу «нравится - не нравится», Дали терпеть не могу (как и ЛНТ:), но люблю Кандинского, Клее и Миро; Ротко видела в музеях и присоединяюсь к свидетельствам о невероятной его энергетике; так называемое актуальное искусство включает в себя вовсе не только «непонятное», но и все что угодно, в том числе ненавидимые мной гиперреализм и поп-арт; можно плохо относиться к вектору развития современной музыки и современной живописи, но сужение их аудитории - это данность; никто Вас не склоняет к тому чтобы ходить на неблизкие Вам выставки и слушать не нравящуюся Вам музыку, но поверьте, то, что вызывало у меня мурашки восторга в галерее Гуггенхайма (и полное недоумение у моей спутницы), или то, что заставляет меня каждый год с нетерпением ждать «Двух дней и двух ночей новой музыки», не имеет ничего общего со снобизмом.
